Les femmes de la #gravure

L'art de la gravure était traditionnellement associé au monde masculin. Cependant, de nombreuses femmes se sont consacrées à cet art dès le début, réalisant des pièces précieuses à des fins artistiques et même scientifiques.



La gravure est le pratique d’une incision (le dessin) sur une surface dure, généralement plane. Cette surface est enduite d'encre avant d’être estampé sur du papier afin de révéler le dessin fait par l'artiste. Il existe plusieurs techniques en voici quelques unes :

  • L'impression en creux

  • L'eau-forte au trait

  • L'aquatinte

  • Le vernis mou

  • La gravure au sucre

  • La pointe sèche

  • La manière noire

  • Le burin

La gravure sur pierre est présente depuis l'Antiquité. Les graveurs sur pierre sont appelés « lapicides » et la gravure sur bois est connue depuis au moins le viie siècle en Chine, les plus anciennes traces sont vers les portes occidentales chinoises de la Route de la soie, aux grottes de Mogao, à Dunhuang. Mais c'est vrai que la gravure sur bois se développe parallèlement à l'utilisation du papier, vers 1400 dans l'Europe du Nord, parce qu'elle permet de reproduire des estampes en grande quantité et touche un public populaire.


La gravure, tout comme le dessin, a longtemps fait partie de l'éducation des femmes. Notamment la "gravure musicale", qui était pratiquée dans les foyers au 19e siècle et qui consistait à graver des partitions manuscrites sur des plaques de cuivre. À cet égard, il convient de mentionner que la gravure était considérée comme particulièrement adaptée aux femmes "en raison de leur condition et de leur tempérament" (voir par exemple Léon Lagrange, 1860).


Pourquoi était-ce le cas ? Eh bien, parce qu'on a fait valoir que la gravure était un travail d'amateur, parce qu'il s'agissait d'images plutôt petites, et parce que leur reproductibilité leur donnait moins de valeur aux yeux des critiques d'art. En outre, leur proximité avec le dessin permet de l'associer au féminin dans la mesure où la plupart des femmes s'adonnent au dessin. Le fait est que les femmes étaient actives dans la gravure dès ses origines, c'est-à-dire dès le milieu du 15e siècle.


María Eugenia de Beer

Maria Eugenia de Beer est un cas unique dans la cour espagnole de la première moitié du XVIIe siècle. Active entre 1640 et 1652, l'artiste est considérée comme l'une des premières femmes graveurs et la quasi-totalité de son œuvre. Son statut de femme dans le milieu artistique de l'époque est un élément exceptionnel : elle est la seule femme graveuse recensée à Madrid durant ces décennies.


Bien que de nombreux aspects de sa vie soient inconnus, la plupart de ses œuvres consistent en des couvertures de livres et des portraits, les deux genres fondamentaux de la gravure baroque espagnole. Parmi ses planches gravées, le portrait de Diego de Narbona dans les Annales tractatus iuris... de Tomás Tamayo de Vargas (1642) se distingue. Il s'agit du chef-d'œuvre de l'auteur, dans lequel la profondeur psychologique, la délicatesse et la volumétrie précise de la figure ont été soulignées.


Portraits de Philippe IV, du prince Baltasar Carlos et du comte-duc d'Olivares. "Tomo segundo de los Opprobios q. en el árbol de la Cruz oyo Xpo. qdo. dixo las siete palabras" (1640)
Portraits de Philippe IV, du prince Baltasar Carlos et du comte-duc d'Olivares. "Tomo segundo de los Opprobios q. en el árbol de la Cruz oyo Xpo. qdo. dixo las siete palabras" (1640)

Maria Sibylla Merian


Maria Sibylla Merian est née à Francfort en 1647 dans une famille d'artistes. Son père, Matthäus Merian l'Ancien, était un célèbre graveur et éditeur suisse, connu dans toute l'Europe pour ses illustrations de villes et de paysages, et ses éditions illustrées de Grands Voyages (récits de voyages vers le Nouveau Monde). Après la mort de son père, alors qu'elle n'avait que trois ans, la mère de Merian a épousé Jacob Marrel, un peintre et graveur. Maria Sybilla a commencé à dessiner et à peindre dès son plus jeune âge, guidée par Jacob Marrel.


À l'âge de 18 ans, elle épouse Johann Andreas Graff, un graveur et peintre. Le couple finit par s'installer et élever une famille à Nuremberg, où Merian donne des cours de dessin aux filles célibataires de familles aisées. Elle a ainsi eu accès aux jardins raffinés de l'élite de la ville, où elle a pu observer directement les plantes et les insectes. À l'époque, le naturalisme était principalement un domaine réservé aux amateurs masculins.


En 1679 et 1683, Merian a publié deux volumes d'études sur les chenilles intitulés Der Raupen wunderbare Verwandelung und sonderbare Blumennahrung (La merveilleuse transformation des chenilles et leur étrange régime de fleurs). Chaque volume contenait cinquante gravures sur cuivre de Merian représentant le cycle de vie exceptionnel des insectes qu'elle observait depuis plusieurs années, notamment les larves, les papillons et les mites. Quelque temps plus tard, Merian a commencé à travailler comme aquarelliste dans les jardins botaniques d'Amsterdam.


En 1699, la ville d'Amsterdam a invité Merian à se rendre dans la colonie néerlandaise du Surinam, en Amérique du Sud. Merian a commencé à collecter, élever et étudier une grande variété d'espèces d'insectes indigènes. Elle a également documenté les noms locaux et les utilisations des plantes. Merian a critiqué l'attitude des marchands coloniaux, déclarant qu'"ils n'avaient aucun désir d'enquêter sur quoi que ce soit". En fait, ils se sont moqués de moi parce que je cherchais autre chose que du sucre dans ce pays". Après avoir contracté la malaria en 1701, Merian et sa fille ont été contraintes de retourner aux Pays-Bas.


Metamorphosis insectorum Surinamensium (1705)
Metamorphosis insectorum Surinamensium (1705)

Maria Cosway


Maria Luisa Caterina Cecilia Hadfield est née à Florence, en Italie, en 1760. Son père, un Anglais, et sa mère, une Italienne, ont ouvert une auberge à Livourne, et leur succès les a amenés à en ouvrir deux autres dans la région toscane et à devenir rapidement riches. Les Hadfield ont eu huit enfants, dont quatre ont été sauvagement assassinés par leur nourrice, qui a été arrêtée et condamnée à la prison à vie. Cette circonstance extrême a marqué la vie de Maria à jamais, faisant d'elle une survivante acharnée.


Dès son plus jeune âge, Consway a fait preuve d'un grand talent musical et artistique. Elle étudie le dessin, la musique et les langues et se consacre à la copie des grands maîtres de la galerie Uffizzi. Pour ses efforts et la qualité de son travail, elle est choisie pour poursuivre sa formation à l'Académie des Beaux-Arts de Florence en 1778. En 1779, alors qu'elle a 19 ans, elle part vivre en Angleterre et s'installe à Londres. Elle y rencontre Angelica Kauffmann, qui est également artiste et jouit d'une certaine reconnaissance dans la société anglaise. Kauffmann devient son mentor et l'introduit dans les cercles intellectuels du Londres du XVIIIe siècle. En 1781, elle peut exposer trois œuvres inspirées par des thèmes mythologiques qui, à l'époque, n'étaient traités que par des artistes masculins. Ainsi, Maria a suscité la perplexité et l'admiration, triomphant dans un genre qui était interdit aux femmes. À tout juste 21 ans, Maria, une jeune Italienne, avait triomphé au sein de l'exquise élite culturelle de Londres.


Maria épouse le peintre Richard Cosway, membre de la Royal Academy et célèbre pour ses portraits miniatures de l'aristocratie londonienne, y compris de la famille royale. Malgré ses tentatives pour devenir un membre actif de l'élite britannique, son caractère efféminé et libertin, sa réputation de "se comporter comme un singe" et son idéologie proche des idéaux de la Révolution française le poussent à quitter l'île britannique et à s'installer à Paris avec Maria en 1786. Bien qu'il y vive, Maria continue de voyager sur le continent, cultivant des contacts dans le monde de l'art. Le couple a fini par se séparer et le mariage a été annulé.


En 1803, à Lyon, Maria fonde une école pour enseigner et former les jeunes filles. Il a fonctionné jusqu'en 1809. En récompense de son travail pour l'éducation des jeunes filles, l'empereur autrichien François Ier la fit baronne en 1834. À une époque où l'éducation des femmes faisait l'objet d'importantes restrictions, Maria Cosway a créé une institution où, en plus d'une bonne moralité et d'une vie sociale, les jeunes filles apprenaient la langue italienne, la calligraphie, l'arithmétique, l'histoire et la géographie dans l'intention d'apporter une contribution à la société.


La galerie du Louvre
La galerie du Louvre

Louise Danse

Louise Danse (Marie-Louise Danse), née en avril 1867 à Bruxelles où elle est morte le 25 mai 19481, est une artiste graveuse belge. Elle est la fille d’Adele Adrienne Meunier (sœur des artistes Jean-Baptiste et Constantin) et d’Auguste Danse, un artiste graveur qui sera également son premier professeur de gravure. Elle a une sœur Marie. En 1905, Louise Danse épouse le juriste et l'homme de lettres Robert Sand (1876-1936).


Louise Danse est reconnue par ses contemporains comme une artiste graveuse talentueuse. Elle produit un ensemble d'œuvres variées telles que gravures, des dessins, des aquarelles, des frontispices, des illustrations pour des ouvrages et des peintures. Adolescente, elle débute en variant les genres, les sujets et les techniques. Malgré l'influence de son père, elle développe un art personnel. Même après son mariage, elle se perfectionne en travaillant sur de nouvelles thématiques. D'ailleurs, elle continue ses œuvres en tant que Louise Danse et signe exceptionnellement avec ses deux noms Danse et Sand pour des œuvres destinées à des proches.


Elle participe à de nombreuses expositions en Belgique notamment le salon des beaux-arts d’Ostende de 1907 (avec Anna Boch, Anna De Weert et Marie Antoinette Marcotte) ou le premier salon du livre de Belgique de 1906 où elle présente ses gravures. En 1909, elle participe au 3e salon de l'Estampe au Musée Moderne6. Elle est félicitée publiquement sur la délicatesse et la richesse de ses œuvres : Quadrige de S.Marc ; Saint Georges et Torcello. Des tirages de ses gravures sont conservés dans des cabinets d’estampes belges et étrangers, dans des collections privées. Ses descendant·e·s possèdent des documents et des œuvres inédits.


Portrait d'Auguste Danse
Portrait d'Auguste Danse

Caroline Watson

Caroline Watson était une graveuse pointilliste anglaise. Fille du graveur irlandais James Watson, elle est née à Londres en 1760 ou 1761 et a étudié avec son père, qui travaillait la mezzo-tinte. Elle était connue pour son travail habile dans la méthode des pointillés, était particulièrement réputée pour ses reproductions de miniatures et était la seule graveuse à travailler en free-lance dans la Grande-Bretagne du XVIIIe siècle. Elle est devenue célèbre en tant que graveuse à peu près au moment où les femmes ont commencé à former une proportion importante des consommateurs d'imprimés. Sa carrière commence à décliner après 1810 en raison d'une mauvaise santé, et elle meurt à Pimlico le 10 juin 1814.


Les gravures de Watson sont nombreuses. En 1784, elle grave un portrait du prince William de Gloucester, d'après Joshua Reynolds, et en 1785, une paire de petites gravures des princesses Sophia et Mary, d'après John Hoppner, qu'elle dédie à la reine Charlotte. Elle a ensuite été nommée graveur de la reine.


Ophélie (Shakespeare, Hamlet, Acte 4, Scène 5) (1784)
Ophélie (Shakespeare, Hamlet, Acte 4, Scène 5) (1784)

Andrea Bacle

Adrienne Pauline Macaire, également connue sous le nom d'Andrea Bacle, est née en 1796. Il s'agit d'une artiste suisse installée à Buenos Aires au cours du premier tiers du XIXe siècle. Avec son mari, César Hipólito Bacle, elle a créé la première entreprise de lithographie en Argentine, en activité entre 1828 et 1837. Andrea est devenue la première femme à travailler en tant que lithographe en Amérique du Sud, un domaine essentiellement masculin à l'époque.


Les premiers gouvernements argentins ont vu l'urgence de créer un corpus iconographique qui servirait à diffuser les nouveaux idéaux républicains et qui permettrait au peuple argentin naissant de connaître les visages de ces héros qui ont combattu pour son indépendance. La lithographie était un support idéal pour la construction de la nationalité, car elle permettait de générer des images en quantité abondante, suffisamment pour être facilement diffusées. Ainsi, vers 1829, le gouvernement de Buenos Aires a déclaré Bacle & Cía. comme "Impresores litográficos del Estado de Buenos Aires" (imprimeurs lithographiques de l'État de Buenos Aires).


Cependant, l'artiste ne s'est pas limitée à la seule lithographie, mais a également réalisé des albums de scènes de genre - comme "Trages y Costumbres de la Provincia de Buenos Aires" (Coutumes et usages de la province de Buenos Aires) - des illustrations de journaux et des miniatures. Ces images reflétaient toutes les allées et venues colorées des vieilles rues de Buenos Aires, les vendeurs ambulants et les types populaires que l'on pouvait y voir. Son entreprise lithographique, quant à elle, était responsable de la publication du Boletín de Comercio qui, riche en informations maritimes et commerciales, était l'une des premières gazettes publicitaires du pays.


Pendant ses années à Buenos Aires, Andrea Macaire a également mené un important travail éducatif dans le pays. Elle était directrice de l'Ateneo Argentino, une école pour les filles de la haute société de Buenos Aires, où l'on donnait des cours d'anglais, de français, d'italien, de géographie, de dessin, de musique, de broderie, de couture et de calligraphie.