Les femmes de l'#Avant-garde Russe

La présence à Moscou d’importantes collections privées d’œuvres postimpressionnistes stimule la curiosité des jeunes artistes russes, qui décident d’abandonner le réalisme traditionnel et de se tourner vers Paris, lieu privilégié de naissance des mouvements d’avant-garde. L'avant-garde russe est le résultat du travail innovant et strident de nombreuses femmes qui ont voulu briser les barrières de la tradition.



Comme l'a expliqué le Centre Pompidou à l'occasion de son exposition Les amazones de l'avant-garde russe (2021), elles sont théoriciennes et personnes publiques; elles voyagent, partent à l’encontre de l’art ancien et moderne, s’associent, développent des formes de sociabilité qui perdurent dans le temps. Et elles ont pour point commun de ne pas se limiter au domaine de la peinture.


Natalia Gontcharova (1881-1962) et son mari Mikhail Larionov (1881-1964) sont les fondateurs du rayonnisme, premier courant d’avant-garde russe. L’expérience rayonnante constitue le point de référence de l’activité de Kasimir Malevitch (1878-1935) qui, partant du cubisme, fonde le suprématisme (1915), expression intellectuelle de la sensibilité pure. Avec les événements de la Révolution bolchevique de 1917, qui mettent fin au régime des tzars et instaurent un gouvernement de type socialiste, un nouveau rôle social apparaît pour les artistes. Ainsi, le constructivisme de Tatline et de Rodchenko propose de fonder un monde meilleur, en exprimant les aspirations du prolétariat révolutionnaire et en améliorant les conditions de vie des masses. Leurs idées généreuses et utopiques restent souvent à l’état de projet et se heurtent à la réalité difficile du pays. La mort de Lénine en 1924 et l’avènement de Staline marquent le triomphe d’un langage officiel banal, le réalisme socialiste, qui ne se distingue pas des autres arts de régime totalitaire.


Le rayonnisme s'est concentré sur la déconstruction des rayons lumineux. Dans le manifeste du mouvement, ses créateurs affirment ce qui suit : "Le rayonnisme vise les formes spatiales qui peuvent émerger de l'intersection des rayons réfléchis par différents objets, formes que la lumière fait surgir par la volonté de l'artiste".


Le suprématisme est une peinture libérée de toute représentation. Dans une recherche de sensibilité picturale pure, la couleur n’est travaillée que pour elle-même.


En fin, le constructivisme émerge en réaction aux excès décoratifs d’un art qualifié de bourgeois et en réponse aux théories philosophiques et mystiques des premières abstractions. Les théories constructivistes appliquées aux arts graphiques et à l’architecture servent de supports à la révolution bolchévique de 1917. Les artistes d’avant-garde liés au constructivisme considèrent alors que l’art doit contribuer à la formation d’un nouvel ordre social, conformément à l’idéologie socialiste dans qui donne la primauté du rôle utilitaire et fonctionnel d’une œuvre sur son aspect esthétique.


Dans les projets de ces femmes artistes l’abstraction rejoint le projet total des avant-gardes et s’étend à des arts différents (théâtre, cinéma, livre), au monde matériel quotidien (accessoires de mode, vêtements), au spectacle vivant. Ces histoires décloisonnées s’ajoutent à celle de la peinture abstraite. Les raisons pour lesquelles leurs actrices principales sont des femmes, sont variées, sans doute en partie liées au système de répartition des rôles dans un monde de l’art qui accepte moins facilement les femmes peintres et les contraint à multiplier les métiers. Mais elles ont tout autant à voir avec l’attrait des arts et traditions populaires, de la synesthésie ou du spectacle comme microcosme expérimental. En résultent des histoires moins spécialisées par médium, plus relationnelles et interdisciplinaires, plurielles – des histoires parallèles qui sapent toute tentation d’un récit moderniste et monolithique de l’abstraction.


Il est vrai que de nombreux artistes ont fait partie de plusieurs de ces avant-gardes. Nous pouvons donc analyser l'œuvre d'un seul artiste et mentionner ces trois avant-gardes.


Connais-tu ces femmes artistes ?


Natalia Gontcharova


Gontcharova est née en 1881 à Ladyzhino (Russie) dans une famille d'élite. Elle a vécu dans une ferme à la campagne, ce qui lui a permis d'apprécier toute sa vie le fait de vivre dans un village et d'être entourée par la nature. En 1892, elle s'installe à Moscou avec sa famille et en 1901, elle s'inscrit à l'Institut de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou, où elle se concentre sur la sculpture. Elle y tombe amoureuse de Mikhail Larionov et commence à étudier la peinture.


À partir de 1906, ils commencent tous deux à exposer à Paris et fondent divers mouvements artistiques et participent activement à d'autres. Gontcharova a intégré des thèmes et des techniques russes dans l'idiome moderne. Enfin, en 1913, le couple développe la notion de rayonnisme qui, on peut le dire, est une sorte de synthèse entre le cubisme, le futurisme et l'orphisme. Ce serait la partie coloriste et expérimentale avec la lumière du cubisme.


Après son exposition personnelle en 1914, elle est devenue l'une des artistes les plus célèbres. Gontcharova a élargi son travail au théâtre et s'est fait connaître principalement pour sa scénographie. La mode et la décoration intérieure ont également pris une place importante dans son travail. Dans les dernières années de sa vie, elle s'est consacrée à la réalisation d'œuvres matérielles ayant pour thème l'espace, inspirées par le programme spatial russe.


Chats (1913) Natalia Goncharova
Chats (1913)

Liubov Popova


Popova est née en 1889 à Moscou. Elle s'est distinguée de ses pairs en se plaçant parmi l'élite de l'art russe après la révolution de 1917, qu'elle a activement contribué à construire avec la peinture, la sculpture, la mode et tout ce qui lui était proposé. Popova s'est distinguée par des compositions très architecturées et se caractérise également par une quête de non-objectivité, ce qui la relie aux recherches suprématistes de Malevitch.


Ses premières œuvres sont des peintures de paysages, des portraits et des figures humaines. Mais lorsqu'elle est entrée en contact avec l'avant-garde, Popova est devenue radicale. Le cubisme ou le futurisme conviennent mieux à ce qu'elle veut dire. Elle s'est intéressée au collage et à l'utilisation du relief, ainsi qu'à l'importance du matériau utilisé. C'est en 1916 qu'elle commence à réfléchir sur la présence ou l'absence de l'objet, vers la non-objectivité.


Avec le triomphe de la révolution russe, Popova est devenu l'un de ses artistes les plus importants. Elle compose des toiles suprématistes dans lesquelles elle mélange la couleur, les volumes et les lignes, avec des formes géométriques qui se fondent les unes dans les autres et créent une organisation des éléments, non pas comme un moyen de figuration, mais comme des constructions autonomes. En 1921, elle abandonne la peinture bourgeoise de chevalet.


Architecture picturale (1916) Popova
Architecture picturale (1916)

Alexandra Ekster


Ekster est née à Białystok, en Pologne, et était une figure de proue de l'art de l'avant-garde russe. Elle entre en contact avec les cubistes et les futuristes à Paris et assimile et réinterprète ces nouvelles tendances, qu'elle diffuse ensuite dans son pays.


Après avoir terminé ses études artistiques à Kiev, Exter s'installe à Paris en 1908, où elle suit les cours de l'Académie de la Grande Chaumière. Jusqu'au début de la Première Guerre mondiale, Exter vit à Paris, mais se rend fréquemment à Kiev et à Moscou, ce qui fait d'elle un transmetteur des nouvelles idées dans son pays. Durant cette période, elle a participé à de nombreuses expositions en Russie, en France et en Italie.


À partir de 1914, elle vit en Russie et sa connaissance de l'œuvre de Malevitch l'amène à réaliser ses premières œuvres non figuratives. Elle a participé à des expositions d'art d'avant-garde telles que Tram V, la première des expositions futuristes russes qui s'est tenue à Petrograd (aujourd'hui Saint-Pétersbourg) en 1915, et à partir de 1916, elle a apporté une contribution importante à la modernisation de la scénographie théâtrale en participant avec Alexander Tairov à des œuvres telles que Salomé d'Oscar Wilde. Grâce à ses contributions innovantes, la conception des décors, des costumes et de l'éclairage est devenue plus dynamique, des éléments qui sont devenus un complément essentiel à l'intrigue. En 1921, elle a commencé à créer des modèles de mode.


Après une période d'enseignement à Odessa, elle est revenue à Moscou en 1921. Bien qu'elle ait participé à des expositions importantes telles que 5 x 5 = 25, aux côtés d'Alexander Vesnin, Liubov Popova, Alexander Rodchenko et Varvara Stepanova, elle n'a pas adhéré à un groupe particulier. En 1924, elle a émigré à Paris, où elle a vécu le reste de sa vie. Durant cette période, où elle revient à un style figuratif centré sur les natures mortes, elle collabore à nouveau avec Fernand Léger et enseigne dans son atelier.


Сolor design (1922) Ekster
Сolor design (1922)

Anna Kagan

Kagan est née en 1902 à Vitebsk, en Biélorussie. Elle était membre du groupe UNOVIS, que Malevich avait contribué à créer. Malévitch et ses visions suprématistes ont eu une forte influence sur Kagan. Ses visions s'étaient développées à partir des idées du futurisme, et la première fois que Malévitch a montré son art suprématiste, c'était à l'exposition 0.10. La dernière exposition futuriste, à Petrograd en 1915. Cet événement marque la percée de l'art abstrait et non-objectif. L'intention, selon Malevitch, était de "libérer l'art du fardeau insignifiant des objets".


Avec le groupe UNOVIS, Kagan participe à des expositions à Vitebsk (1920, 1921), Moscou (1920, 1921, 1922) et Petrograd (1923). Avec le suprématisme, l'art a atteint le point zéro.

Dans la composition suprématiste de Kagan de 1922-23, des formes géométriques s'élevant vers le haut planent à plusieurs niveaux les unes au-dessus des autres dans l'espace pictural sur un fond blanc. Un cercle rouge au-dessus, à droite, apporte un accent de couleur et équilibre la composition dynamique, de même que les trois carrés superposés dans le coin inférieur gauche.


Kagan a continué à peindre de manière non figurative et ne s'est jamais convertie aux doctrines du réalisme social introduites sous Joseph Staline. Elle n'est cependant pas autorisée à exposer dans le nouveau climat artistique. Entre 1928 et 1930, elle transforme l'abstraction suprématiste en peintures architecturales, et à la fin des années 1920 et au début des années 1930, elle traduit ses compositions abstraites en objets utilitaires en céramique. Elle a également continué à peindre dans l'obscurité jusqu'à sa mort. Bien que ses dernières peintures conservent des éléments abstraits, ceux-ci sont contrastés par des configurations de type surréaliste et symbolique.


Composition suprématiste (1922-23)
Composition suprématiste (1922-23)

Olga Rozanova


L'artiste russe Olga Rozanova est née en 1889 à Melenki. Elle a été l'un des premiers défenseurs de l'art non-figuratif dans l'avant-garde russe. Elle a étudié à Bolshakov et, entre 1904 et 1910, à Moscou avec Konstantin Yuone, Ivan Dudin et à l'école d'arts appliqués Stroganov. En 1911, elle s'installe à Saint-Pétersbourg, où elle entre rapidement en contact avec le groupe d'artistes associés à l'Union de la jeunesse et participe avec eux à la première exposition du groupe en 1912. En 1914, elle rencontre Filippo Marinetti et, peu après, ses œuvres sont exposées à la Prima esposizione libera futurista internazionale de Rome. Elle a également participé aux expositions futuristes russes Tram V et 0.10. La dernière exposition de peinture futuriste s'est tenue à Saint-Pétersbourg en 1915.


Son intérêt pour l'étude de la couleur et la simplification des formes, manifeste dans ses premières œuvres, qui s'inscrivent dans le cubo-futurisme prévalant à l'époque chez les artistes russes, l'amènent à évoluer vers l'abstraction et à se rapprocher du suprématisme de Kazimir Malevitch. Elle a collaboré avec lui et Liubov Popova à la création de la revue Supremus, qui n'a jamais été publiée.


Après la révolution de 1917, Rozanova s'est impliquée dans diverses initiatives culturelles, comme le Proletkult (Organisation culturelle prolétarienne), et a participé à la préparation des célébrations du 1er mai. Après sa mort en 1918, une grande exposition a été organisée en son honneur à Moscou.


Composition non-objective (suprématisme) (1916)
Composition non-objective (suprématisme) (1916)

Nadeshda Udaltsova


La peintre russe Nadeshda Udaltsova est née en 1886 à Orel ; elle a été associée au cubisme et plus tard au suprématisme. Elle a étudié à l'école de peinture, de sculpture et d'architecture de Moscou entre 1906 et 1909. Elle a ensuite suivi les cours de Konstantin Yuon, où elle a probablement rencontré Liubov Popova, avec qui elle s'est rendue à Paris en 1912. Les cours de Jean Metzinger et Henri Le Fauconnier à l'Académie de La Palette sont déterminants pour l'orientation de son travail vers le cubisme.


Après son retour en Russie en 1913, Udaltsova commence à travailler à La Torre, le studio de Vladimir Tatlin à Moscou. Au cours de ces années, elle a participé à de nombreuses expositions d'avant-garde. Sa participation aux deux dernières expositions futuristes a suscité un intérêt croissant pour l'étude du mouvement dans ses œuvres cubistes. Comme Popova et d'autres artistes de l'époque, à la fin de 1916, Udaltsova se rapproche du suprématisme de Kazimir Malevitch et collabore avec lui sur le projet de la revue Supremus, qui ne sera jamais publiée. Elle a également commencé à appliquer les motifs suprématistes à ses nouvelles explorations dans le domaine du design textile.


Après la révolution de 1917, Udaltsova a été active dans diverses initiatives culturelles, comme le département artistique du Proletkult (Organisation culturelle prolétarienne). Elle a enseigné, d'abord en tant qu'assistante de Malevich, puis de manière indépendante. Elle donne des conférences dans lesquelles elle défend l'art d'avant-garde et est membre de l'Institut national de la culture artistique (Injuk), bien qu'elle le quitte en 1921 en raison de désaccords avec les artistes constructivistes, qui prônent l'abandon de la peinture comme pratique artistique.


Composition (1916)
Composition (1916)

Nina Genke Meller


Genke Meller était un graphiste, designer et scénographe suprématiste russe né en 1893 à Moscou. Elle a obtenu son diplôme en 1912 à Kiev, se qualifiant pour enseigner la langue et l'histoire russes. En 1913, elle travaille à l'école primaire supérieure pour femmes de Skoptsi, où elle enseigne l'histoire, la géographie et le dessin. A étudié avec Alexandra Exter à Kiev à partir de 1914. De 1915 à 1919, elle est son assistante. Pendant la période de 1920 à 1924, elle a été professeur d'art.


Elle a participé à des expéditions au Kosovar et à Tchernovtsy, avec d'autres membres du mouvement d'avant-garde. Elle a coopéré avec d'autres artistes suprématistes connus. Elle a participé à l'exposition d'art décoratif moderne, organisée par la galerie Lamersye à Moscou, en novembre 1915, avec Natalya Davydova et Alexandra. En 1917, Natalya Davydova et Nina Genke ont organisé la deuxième exposition d'art décoratif moderne russe au salon Mikhaylova de Moscou. Après la révolution d'octobre 1917, elle a participé avec Aleksandra Ekster et Kliment Redko à la décoration des rues de Kiev et d'Odessa. Elle s'est également essayée à la conception de spectacles grandioses et à la conception graphique de livres. En 1918, elle est devenue directrice artistique du magazine Gulf Stream à Kiev. En 1924, elle se rend à Moscou pour travailler dans l'atelier d'art de N. P. Lamanov. Elle travaille également dans une usine de papier peint et de porcelaine et réalise des dessins suprématistes. Elle a travaillé comme décoratrice d'intérieur, scénographe, superviseur d'institutions décoratives et d'arts appliqués, et chef adjoint du Conseil des Beaux-Arts de Vserabis.


Composition (1910)
Composition (1910)

Sources :

  • Centre Pompidou

  • Aparences

  • Las Atrevidas del Arte

  • Mr-Expert

  • Historia-arte

  • Musée Thyssen

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